~ Orquesta Sinfónica ~

La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos (como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda). Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene generalmente más de ochenta músicos en su lista, sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser tocada, y el tamaño del lugar en donde ocurrirá la presentación.

El término orquesta se deriva de un término griego que se usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa "lugar para danzar".

~ Origen:

Dos ciudades fueron los principales centros de producción musical, catalizadores del «nuevo estilo» y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por los detalles de fraseo, la utilización de unos recursos, como los llamados crescendo y diminuendo Mannheim (que en realidad no fueron invención de los miembros de este grupo), la alta exactitud en la dirección y la precisión interpretativa. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en los motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacaron una serie de compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus aportes al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con quienes esta forma alcanzó el desarrollo que llevó directamente a las realizaciones.

Las "Orquestas Sinfónicas" mas destacadas son:

Orquesta Sinfónica Filarmónica de Viena: es una orquesta sinfónica de Austria, a menudo considerada como una de las mejores del mundo. Su sede está en el mundialmente famoso Musikverein. Los miembros de la orquesta son escogidos de la Orquesta de la Ópera Estatal de Viena. Este proceso es muy largo, con cada músico probando su capacidad por un mínimo de tres años tocando para la Ópera y el Ballet. Una vez pasado este tiempo pueden solicitar a la Plana de la Wiener Philharmoniker ser considerados para obtener un puesto en la orquesta.

Orquesta Sinfónica Filarmónica de Berlín: La Orquesta Filarmónica de Berlín (alemán: Berliner Philharmoniker, siglas: BPO) es una de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo. Su actual Director Titular es Simon Rattle, que es conocido por su apoyo a la música clásica contemporánea. La BPO también es base de varios conjuntos de música de cámara. Fue creada en 1882, y desde 2002 es una Fundación de Derecho Público, de la que es titular el land de Berlín. Los fondos para la organización son subsidiados tanto por la ciudad de Berlín con el patrocinio del Deutsche Bank.

Orquesta Sinfónica Imperial: es una de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo y su sede se encuentra en el Auditorio Imperial en Kírov, Rusia. La Imperial Orchestra (conocida mundialmente de esta forma) fue fundada en el año 2000 por Alejo Mihajlovic. Actualmente es la orquesta más grande del mundo con 396 músicos y dos directores a la misma vez. Antes de ser integrante de la orquesta se pasa por una rigurosa prueba además de 15 años mínimos de experiencia en la música. Es la segunda orquesta más importante de Rusia. Dio su primer concierto en 2006 en Moscú interpretando grandes clásicos con una duración de cuatro horas. Hoy día, es dirigida desde su fundación por Reinhard Speer.

Orquesta Real del Concertgebouw: La Orquesta Real del Concertgebouw (Koninklijk Concertgebouworkest en holandés, KCO) es la orquesta sinfónica más conocida y respetada de Holanda, y es generalmente considerada como una de las mejores del mundo. Se llama así por el Concertgebouw ("sala de conciertos" en holandés) de Amsterdam en el que ofrece sus presentaciones. El título "Real" fue conferido a partir de 1989 por la reina Beatriz. El Concertgebouw abrió el 11 de abril de 1888. La KCO, sin embargo, no fue fundada sino un poco más tarde. Dio su primer concierto en el Concertgebouw el 3 de noviembre de 1888 bajo la dirección del director principal en sus primeros siete años, Willem Kes.

Orquesta Sinfónica de Boston: La Orquesta Sinfónica de Boston es una de las orquestas sinfónicas más renombradas del mundo. Su sede es el Symphony Hall, considerada habitualmente como uno de las tres mejores salas de conciertos del mundo. La Orquesta Sinfónica de Boston fue fundada en 1881 por Henry Lee Higginson en Boston, Massachusetts. Llamó a varios directores notables, como Arthur Nikisch y Pierre Monteux , quienes dieron a la orquesta su reputación por su sonoridad "francesa" que en cierto grado persiste hasta el día de hoy. Sin embargo, fue bajo la batuta de Serge Koussevitzki cuando la orquesta se hizo muy conocida.

Orquesta Sinfónica de Chicago: La Orquesta Sinfónica de Chicago (siglas: CSO), con sede en Chicago, Illinois, es una de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo. Actualmente está en su temporada número 119. En 1891 Charles Norman Fay, un empresario de Chicago, invitó a Theodore Thomas a establecer una orquesta en Chicago. Dirigida por Theodore Thomas bajo el nombre de "Orquesta de Chicago", la orquesta dio su primer concierto el 16 de octubre de 1891 en el Auditorium Theatre. Es una de las orquestas más antiguas de Estados Unidos, junto a la Orquesta Filarmónica de Nueva York, laOrquesta Sinfónica de Boston y la Orquesta Sinfónica de Saint Louis.

Orquesta Sinfónica de San Francisco: La Orquesta Sinfónica de San Francisco (SFS, por sus siglas en inglés), con sede en San Francisco, California, es una de las orquestas más importantes de Estados Unidos por la ingeniosa interpretación de The Call of Ktulu con Metallica en 1999 y haber ganado el Premio Grammy por Mejor Interpretación Rock Instrumental. Actualmente es dirigida por Michael Tilson Thomasdesde Septiembre de 1995.

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar: La Orquesta Sinfónica Simón Bolívar es la orquesta más importantes de Venezuela y una de las mas importantes de Latinoamérica. Sus integrantes son los músicos mas destacados de las diversas orquestas locales de Venezuela. Ha trabajado con directores e intérpretes reconocidos mundialmente, y han recorrido Europa, Asia y América en varias giras, recibiendo buenas críticas. Su director es Gustavo Dudamel.

~ Impresionante, Robot Honda Asimo Dirige Orquesta ~

La alta tecnología se encontró con el arte el 13 de mayo pasado, cuando un robot dirigió a la Orquesta Filarmónica de Detroit.

Por primera vez la batuta fue entregada a un robot , cuyo desempeño fue muy alabado en las críticas.

“Hola a todo el mundo”, dijo Asimo a la audiencia con una voz aniñada, y luego saludó a la orquesta. Tal como aseguró la portavoz de Honda, Alicia Jones, el reto no sólo era dirigir una orquesta, sino una obra en directo, algo que nunca antes había hecho un robot.

Tanto la audiencia como los músicos estallaron en aplausos cuando ASIMO (por las siglas en inglés de (Paso Avanzado en Movilidad Innovadora) de Honda lideró a la orquesta en la ejecución de “The impossible dream” en un concierto que presentaba al aclamado chelista Yo-Yo Ma.

“Es apasionante de ver”, dijo el músico Randall Hawes quien toca con la orquesta desde hace 22 años. Sin embargo aclaró que no cree que un robot reemplace a los conductores humanos en el corto plazo.

El director musical de la Sinfónica de Detroit, Charles Burke, explicó, por ejemplo, que los ingenieros han programado al robot para que siga los mismos gestos que el director, los cuales aprendió a través de las imágenes de un vídeo que había sido grabado en una de las prácticas.Sin embargo Asimo no es capaz de responder a los músicos.

~ El Piano ~

El piano (apócope derivado del italiano piano, que significa "suave", originalmente "pianoforte" haciendo referencia a sus matices suave y agudo) es un instrumento musical clasificado como instrumento de teclado de cuerdas percutidas por el sistema de clasificación tradicional y según la clasificación de Hornbostel-Sachs, el piano es un cordófono simple. El músico que toca el piano recibe el nombre de pianista.

Está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado, mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro produciendo el sonido. Las vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que los amplifica. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín.

A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos, pero los más comunes son el piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del piano es un factor primordial en la acústica del instrumento y se realiza modificando la tensión de las cuerdas de manera que éstas vibren en las frecuencias adecuadas.

En la música occidental, el piano se puede utilizar para la interpretación solista, para la música de cámara, para el acompañamiento, para ayudar a componer y para ensayar. Las primeras composiciones específicas para este instrumento surgieron alrededor del año 1732; entre ellas destacan las 12 sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti. Desde entonces, muchos han sido los compositores que han realizado obras para piano y en muchos casos esos mismos compositores han sido pianistas. Destacan figuras como Frédéric Chopin, Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Motzart oLudwig van Beethoven. Fue el instrumento representativo del romanticismo musical y ha tenido un papel relevante en la sociedad, especialmente entre las clases más acomodadas de los siglos XVIII y XIX. Es un instrumento destacado en la música jazz.

~ Tipos de Pianos :

• Piano de Cola:

Un piano de cola es un tipo de piano en el que las cuerdas y la caja de resonancia se encuentran en posición horizontal. Los pianos de cola tienen una tapa superior que se puede abrir, de manera que los sonidos producidos por las cuerdas salen al exterior sin barreras de ningún tipo.

Su tamaño puede variar dependiendo del fabricante y tipo de piano de cola fabricado, pero suelen oscilar entre los siguientes valores:

• piano de cola mignon: hasta 130 cm de longitud.
• piano de un cuarto de cola: de 131 hasta 189 cm de longitud.
• piano de media cola: de 190 hasta 225 cm de longitud.
• piano de tres cuartos de cola: de 226 hasta 255 cm de longitud.
• piano de gran cola: superiores a 256 cm de longitud.

Todas las fábricas de pianos producen pianos excepcionales artcase. Algunos sólo poseen decoraciones o modificaciones espectaculares de los pianos ordinarios como pies trabajados, marquetería, pintura o revestimiento. Otros son modificaciones radicales como el Pegasus de Schimmel o M. Liminal diseñado por NYT Line y fabricado por Fazioli.

• Piano Vertical o Piano de Pared:

El piano vertical se caracteriza por tener las cuerdas, los macillos y la caja de resonancia en posición vertical, perpendicular al piso.

De modo general se pueden dividir entre cuatro tipos distintos dependiendo de su tamaño:

• Piano vertical espineta: el más pequeño en su categoría con un sonido característico, piano de máquina indirecta (quiere decir que el mecanismo se encuentra por debajo del teclado). Su altura es menor a 98 cm.
• Piano vertical consola: son pianos de máquina directa, es decir, el mecanismo está al mismo nivel del teclado. De 98 a 109 cm de altura.
• Piano vertical de estudio: son pianos de máquina directa, con el mecanismo un poco más elevado del nivel del teclado. Esta característica proporciona al intérprete una mayor seguridad. De 110 a 139 cm de altura.
• Piano vertical antiguo: son pianos con una gran capacidad acústica, de máquina directa aún más elevada que el piano de estudio. Su medida de altura es muy variable dependiendo del fabricante pero suele tener más de 140 cm de altura.

• Piano Electrónico:

El piano electrónico es una invención del siglo XX. Tiene la misma apariencia del piano. La diferencia es que el sonido proviene de medios de síntesis electrónica. Además, puede reproducir el sonido de diferentes instrumentos y muchas veces incorpora canciones y ritmos predeterminados.

Los ritmos que vienen incorporados sirven para tocar los acordes con una sola tecla en diferentes estilos. Algunas tienen todo un sistema educativo, como el Yamaha Education System, el sistema de aprendizaje de Casio o el DoReMi de Roland. Con estos sistemas educativos se pueden aprender canciones, porque el sistema indica la tecla a presionar. Se pueden practicar fragmentos de canción, inclusive. Algunos modelos traen incorporado un metrónomo para poder sincronizar exactamente con la velocidad de la melodía.

El intérprete puede guardar canciones tocadas por él mismo, para volver a escucharlas después. También puede grabar la melodía para cada mano independientemente. Hay variedades que son sensibles al tacto, es decir, detectan la fuerza con que son presionadas las teclas, como en un piano real y actúan en consecuencia, reproduciendo el sonido con mayor o menor fuerza, según el caso.

Existen teclados electrónicos que cuentan con una pantalla LCD en la que se puede apreciar el pentagrama, la nota presionada (en un teclado dibujado) y las canciones. Tienen accesorios opcionales como el pedal y el cable para conectarse con un ordenador y se pueden transferir canciones a través del mismo. También se pueden enviar canciones desde el teclado hacia el computador por medio de un software de autoría de MIDI (MIDI authoring). Otros accesorios son el atril para colocarla y la base para las partituras.

La calidad de su sonido no es la misma de un piano normal y la fuerza con que se tocan las teclas también es diferente, aunque su precio es mucho menor.

~ Dia de la Música ~

Con la Música en el Alma 

~ Cada 22 de noviembre se celebra en todo el mundo la fiesta de Santa Cecilia, Patrona de la Música, en conmemoración del día de su nacimiento. Santa Cecilia murió mártir en el año 230, condenada por el alcalde de Roma, Almaquio, quien intentó sin éxito persuadirla de renegar de su fe. ~ 

Cecilia predicaba públicamente a Cristo e intentaba vivir siempre de acuerdo con sus enseñanzas, incluso en una época de fuerte persecución a los católicos. Poniendo en riesgo su vida, la santa visitaba a los cristianos en la cárcel, enterraba a los muertos y profesaba su fe (todo lo cual estaba prohibido), con un convencimiento tal que llevó a su marido Valeriano, y al hermano de éste (Tiburcio) a hacer lo mismo. Pero los dos hombres fueron arrestados y llevados ante el alcalde Almaquio, quien intentó en vano hacerlos decir que adoraban a Júpiter. Ellos le respondieron que únicamente adoraban al verdadero Dios, y animaron a los demás cristianos a sufrir con gusto todos los horrores, antes que ser infieles a su religión. Entonces fueron ferozmente azotados y martirizados.

Cecilia sepultó los cadáveres de los dos santos, por lo que fue arrestada. Se le exigió que renunciara a la religión de Cristo, pero ella declaró que prefería la muerte antes que renegar de la verdadera religión. Entonces, Almaquio la condenó a morir sofocada en el baño de su casa; pero por más que los guardias pusieron en el horno una enorme cantidad de leña, Cecilia pasó en el baño un día y una noche sin recibir ningún daño, y dice la historia que en vez de asfixiarse ella cantaba gozosa. Finalmente, fue decapitada.

Durante más de mil años Santa Cecilia fue una de las mártires más veneradas por los cristianos, y en el año 1594 fue nombrada Patrona de la Música por el Papa Gregorio XIII, adoptándose universalmente el día de su nacimiento como el Día de la Música. Ya al fin de la Edad Media había empezado a representarse a la santa tocando el órgano, el arpa o cantando, y a través de los siglos su figura ha permanecido venerada por la humanidad con ese padrinazgo, cuyo origen es a decir verdad algo confuso y no se sabe con certeza de qué causas proviene.

Pero más allá de las causas por las que ha sido declarada Patrona de la Música (seguramente relacionadas con la tradición), son innegables la bondad y pureza de Santa Cecilia, y sus deseos de agradar a Dios. Por eso, se haya valido o no de la música, nos podemos permitir figurarnos en ella que la música es el instrumento del alma.

Tanto se ha dicho y escrito sobre la música a lo largo de la historia, que nos permitimos aquí seleccionar algunos conceptos destacados:

"Los que cantan, ya sea en la siega, ya en la vendimia o en algún otro trabajo intensivo, empiezan a cantar con palabras que manifiestan su alegría, pero luego es tan grande la alegría que los invade que, al no poder expresarla con palabras, prescinden de ellas y acaban en un simple sonido de júbilo."

San Agustín

"La música desempeña, entre las manifestaciones del espíritu humano, una función elevada, única e insustituible. Cuando ésta es realmente bella e inspirada, nos habla, incluso más que todas las demás artes, de la bondad, de la virtud, de la paz, de las cosas santas y divinas."

Juan Pablo II

"Sólo las claves, sólo las pautas

y las notas revelarán al mundo sus bellezas innatas.

Platón oyó a los orbes

su concierto ideal,

y Beethoven, a veces,

lo escuchó en el mutismo nocturno.

Todo es música: los astros,

el abismo,

las almas...

¡y Dios mismo es un Dios musical!".

Amado Nervo (poeta mexicano)

"¡Oh, Música!, de todos, patrimonio bueno: de los hombres y naciones, por tus mil aplicaciones. Sonad, repercutid, vibrad... vuestra tarea cumplid... y allá en lontananza donde la luz se pierde, la música sabrá en su impecable historia hacer que resuciten el gozo y la esperanza; que surjan los destellos e inunden la memoria, borrando en los mortales angustias y pesares; y en las mansiones ricas de místicas alturas, resuenen los conjuntos, seráficos, triunfales que digan con firmeza a todas las criaturas: la música es divina y propia de los santos que entonan complacientes el himno a la virtud, y así terminan ahora las penas y quebrantos... por ella, a Dios, eterna gratitud."

Martha Barroeta (escritora venezolana)

~ La Partitura ~

Una partitura es un texto que indica, mediante un lenguaje propio, llamado sistema de notación, cómo debe ser interpretada una composición musical. Una partitura contiene por lo general las indicaciones de un único instrumento, representando la obra completa cuando ésta posee un único instrumento, o una parte de ella cuando la obra se completa con otros instrumentos y sus correspondientes partituras. Cuando presenta la obra en su totalidad, involucrando todos los instrumentos y voces, se denomina parte príncipe.

En obras orquestales, se llama partitura al texto que utiliza exclusivamente el director de orquesta y que contiene toda la obra que se ejecutará. Particella, en contraste, es el nombre dado a cada una de las partituras que tienen los intérpretes de los diferentes instrumentos.

Estructura de la partitura~

La partitura consta de un pentagrama, sobre el cual se ubican los símbolos que representan los componentes musicales de la obra escrita en ella. Estos signos musicales suelen indicar las notas musicales, las figuras, es decir la duración de las notas, la armadura de clave, es decir la escala de notas, alteraciones en la escala musical, como bemoles, sostenidos y becuadros, ligaduras entre notas y otras particularidades de la interpretación musical. Adicionalmente, las partituras suelen disponer fuera del pentagrama de información adicional sobre cómo interpretar las diferentes secciones de la obra, como el tempo y la intensidad, entre otros.

Pentagramas~

Consta de cinco líneas y cuatro espacios, que en sí mismos no representan ninguna nota musical, ya que necesitan que a la izquierda se indique una clave para leerlo. Por ejemplo, si a la izquierda de un pentagrama hay una clave de sol (que es la más usada), las líneas del pentagrama (de abajo a arriba) representarán el mi, sol, si, re, fa, y los espacios, fa, la, do, mi. En cambio, en clave de Fa las líneas representarán las notas sol, si, re, fa y la, y los espacios, la, do, mi, sol. Esta clave en la mùsica es utilizada generalmente en los instrumentos como el trombòn que es màs accesible la lectura de La partitura para este tipo De instrumento ya que su sonido es grave y ayuda con La interpretaciòn musical del mismo. Como estos espacios y líneas no son suficientes para abarcar todos los tonos generables por un instrumento, se utilizan las líneas adicionales, que son ubicadas arriba o abajo del pentagrama y que, dependiendo del número de líneas adicionales, darán nombre y altura a cada nota.

Notas~

La nota es el símbolo que representa el sonido de un tono. Por convención, hay siete tonos: do, re, mi, fa, sol, la y si. Según la ubicación de las notas sobre el pentagrama, se representan cualquiera de los tonos.

En algunos casos se utiliza la palabra "nota" para referirse a la tecla de un piano y también a un acorde. se denomina arpegio a la ejecución, uno detrás de otro, de los tonos en su orden natural. Existen varios tipos de escalas, las cuales se identificarán por sus características, y las principales son:

• Escala mayor
• Escala mayor melódica
• Escala menor
• Escala mayor armónica
• Escala menor melódica
• Escala cromática
• Escala en forma tonal

Cuando se tocan simultáneamente tres o más tonos que se obtienen a partir de uno de ellos por intervalos de tercera, forman un acorde. Existen algunos tipos específicos de acordes:

• Acorde mayor (M)
• Acorde menor (m)
• Acorde aumentado (+)
• Acorde disminuido (-)
• Acordes de séptima (7a)
• Acordes de sexta (6a)
• Acordes de novena (9a)
• Acordes de segunda (2a)

La sucesión de acordes a lo largo del tiempo se denomina armonía.

Figuras~

Las figuras son la redonda, la Blanca, la Negra, la Corchea, la Semicorchea, la Fusa, la Semifusa, la Garrapatea y la Semigarrapatea. Representan la duración de cada nota. En el orden anterior, cada una dura la mitad de su predecesora. Tomando como referencia de tiempo a la negra, la redonda tiene una duración de cuatro tiempos, los cuales equivalen a tener 2 blancas que valen 2 tiempos cada una, o 4 negras que valen 1 tiempo cada una, u 8 corcheas que valen 1/2 tiempo cada una, o 16 semicorcheas que equivalen a 1/4 de tiempo cada una, o 32 fusas que que valen 1/8 de tiempo cada una, o finalmente 64 semifusas que equivalen a 1/16 de tiempo cada una.

Alteraciones~

Son signos que influyen en la altura de una nota escrita:

• el Sostenido, representado por un "", agudiza la altura de la nota en un semitono.
• el Doble Sostenido agudiza la altura de la nota en dos semitonos es decir 1 tono
• el Bemol, parecido a una b minúscula "", agrava la altura de la nota en un semitono.
• el Doble Bemol agrava la altura de una nota en un tono
• el Becuadro, ""que anula el efecto de la alteración.

Armadura de Claves~

La armadura de clave es el conjunto de alteraciones que se escriben al principio de la obra después de la clave y que afectan a todas las notas indicadas hasta el final de la obra o hasta que se utilice un becuadro a su favor o exista una nueva armadura. La tonalidad se identifica por la posición de las alteraciones que forman su estructura y dependiendo de esta se sabrá la tonalidad de la pieza musical, ya sea Mayor o menor, dependiendo de la obra.

Claves~

Las claves transportan las notas a diferentes alturas dentro del pentagrama, según el instrumento que se usa, o quién canta (un cantante bajo usará clave de fa, mientras que una guitarra usará clave de sol).

Las claves pueden ser:

• Clave de sol: indica que la nota escrita en la segunda línea —contando de abajo hacia arriba— es un sol₄ (que es la cuarta tecla blanca a la derecha del do central del piano). Cuando al principio de un pentagrama aparece esta clave, significa que las notas del pentagrama irán desde el mi₄ al fa₅.
• Clave de fa: indica que cualquier nota escrita en la cuarta línea —contando de abajo hacia arriba— es un fa₃ (que es la cuarta tecla blanca a la izquierda del do central del piano). Cuando al principio de un pentagrama aparece esta clave, significa que las notas de ese pentagrama irán desde el sol₂ al la₃.
• Clave de do en tercera [línea]: poco utilizada (sólo en partituras para viola y las partes agudas del trombón). Indica que cualquier nota escrita en la tercera línea —contando de abajo hacia arriba— es un docentral del piano). Cuando al principio de un pentagrama aparece esta clave, significa que las notas de ese pentagrama irán desde el fa₃ al sol₄.
• Clave de do en cuarta [línea]: muy poco utilizada (sólo en las partes más agudas de las partituras para fagot, contra fagot, violonchelo, trombón tenor y trombón bajo). Indica que cualquier nota escrita en la cuarta línea —contando de abajo hacia arriba— es un do₄ (el do central del piano). Cuando al principio de un pentagrama aparece esta clave, significa que las notas de ese pentagrama irán desde el re₃ al mi₄.

Compás~

Se llama compás al espacio entre dos líneas verticales (las «divisiones de compás») que cruzan los pentagramas.

También se llama compás al número fraccionario que representa la cantidad de una determinada figura que hay dentro de cada compás. Por convencióna la blanca (por ser la mitad de una redonda, que es la figura más grande), 1/4 a la negra y 1/8 a la corchea. Entonces un compás de 4/4 (cuatro cuartos) significa que a lo largo de la obra habrá cuatro negras por cada compás o notas más largas o cortas que finalmente en su suma de valores equivalgan a lo que indica el compás numérico.

Los compases compuestos se forman multiplicando los compases simples por un compás de 3/2,de esta manera se obtienen los compases de: 6/8, en el pueden haber seis corcheas o equivalentes que duren ese mismo tiempo; el compás de 9/8 y el de 12/8 se usan de la misma forma.

Los compases más utilizados son 4/4, 3/4, 2/4, 6/8, 9/8 y el 12/8.

~ Noticia : En España usan Musica Clasica para enseñar matematicas ~

España: Usan música clásica para enseñar matemáticas

Se trata de un taller sobre Chopin que cruza el conocimiento musical con la materia. De esta forma, compara - por ejemplo - la composición de notas con las funciones matemáticas.

Aprender matemáticas con la música del músico polaco Chopin es la forma que quieren comenzar a fomentar entre los colegios españoles. Para esto, las sedes del Centro de Cultura de Sa Nostra en Palma y Ciutadella están organizando una conferencia sobre "Matemáticas a la romántica".

La actividad mezcla la música del compositor con la enseñanza de las matemáticas, comparando la música con las funciones básicas de la disciplina: constante, escalonada, periódica y exponencial, consignó ABC.

El taller trata sobre la relación histórica entre música y matemáticas. La idea es fomentar el gusto por las matemáticas y así promover entre los estudiantes las ganas de aprender sobre la materia, citó el medio español.

~ Johann Sebastian Bach ~

Johann Sebastian Bach (IPA /joˈhan/ o /ˈjoːhan zeˈbastjan ˈbax/ en alemán) (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue unorganista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.

Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando porSchoenberg, hasta nuestros días.

Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar losConciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, lasSonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.

~ Antonio Vivaldi ~

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor y músico del Barroco tardío, uno de los pináculos del Barroco, de la música occidental y de la música universal. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.

Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.

Sin embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que éste estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Solli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de intrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto, sin embargo, fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros,Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.

Formas Musicales ~

Desde los exóticos concerti da camera, compuestos para la corte de Mantua hasta los conciertos para violín de su última época, además de otras decenas de piezas concertantes, la música barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas. Complementa la diversidad de estilos que conforman el Barroco musical, el alemán, el francés, inglés y obviamente el poderoso centro italiano. La importancia del aporte de Vivaldi radica en haber consolidado la estructura del concierto como género.

Curiosidades ~

• Vivaldi recibió el apodo de il prete rosso (el sacerdote pelirrojo) por el color de su cabello. De hecho, era una característica de su familia, y su padre ya era conocido con el sobrenombre de rosso.
• En 1737 fue acusado de no decir misa siendo sacerdote, pero él se defendió alegando su asma; sin embargo, su enfermedad pulmonar no le restó capacidades a la hora de viajar por Europa.
• En el funeral de Vivaldi, celebrado en la catedral de Viena, cantaron los niños del coro de la catedral, entre los que se encontraba el futuro compositor Joseph Haydn.
• Es uno de los temas centrales en la novela de ficción histórica La Copa Antonio Vivaldi, en la que una competición de música nombrada en su honor sustituye a la Copa Mundial de Fútbol.
• Su ópera "Montezuma", es el tema central de la novela de ficción histórica, Concierto Barroco de Alejo Carpentier 1974. Esta ópera, que versa sobre la conquista de México bajo una interpretación poco apegada a la realidad; fue estrenada en Venecia en 1733, en el Teatro Sant'Angelo.